PRIMATE

MANDRILL  "MANDRILL IS"
Mandrill, otro de los grandes grupos del rock-funk de los últimos años 60, primeros 70, junto a Sly, Parliament, Funkadelic, Tower of Power, War...

En este su segundo trabajo, "Is", ahondan en su estilo característico que, a parte del funk propiamente dicho, tiene también connotaciones latinas (los hermanos Wilson, fundadores de la banda, son naturales de Panamá) y elementos orquestales a lo "big-band" con sabor muy "blackexplotation" de la época. Tampoco son extraños elementos de música ritual africana, muy estructurados en los ritmos propios de la percusión, que terminan por otorgar a su paleta un rico mosaico de coloridos musicales.

A destacar, en la cara A, los dos temas más conocidos de esta grabación, "Ape Is High" y "Git It All" que, en su día, se editaron como singles de cierto éxito. El resto de los temas, salvo un prescindible "spoken word", "Universal Rhythms" que inicia la cara B, se mueven con soltura gracias a una poderosa base rítmica de percusión y vientos. Piezas como "Here Today Gone Tomorrow" y "The Sun Must Go Down" muestran a la banda en todo su esplendor compositivo; introducciones, arreglos intermedios que enlazan con pasajes llenos de emotividad, enlazándose en itinerarios finales que llegan a su culminación sin ninguna fatiga para el oyente.

Los tres primeros trabajos de Mandrill son prácticamente su única producción de calidad reconocida, y la escucha de este su segundo trabajo corrobora esta afirmación.

Mandrill.en.wikipedia.org/wiki/Mandrill_(band)

LIBERACIÓN

FUNKADELIC  "FREE YOUR MIND AND YOUR ASS WILL FOLLOW"
Funkadelic se forma a mitad de los 60 como banda de acompañamiento del grupo "doo-wop" de George Clinton. Sus miembros, reclutados por el mismo George, se entremezclan en ocasiones con los de la banda hermana Parliament, ésta más orientada hacia la vertiente funky-comercial del negocio, Funkadelic más comprometida con un mensaje político y social, como no, caldo de cultivo para la comunidad negra de Detroit, origen de la banda, en la segunda mitad de la década de los 60.

Este compromiso de Funkadelic no nos hace olvidar el contenido propiamente musical de la banda. Una espontánea mezcla de psicodelia, blues, soul y funk que ya otras luminarias de la época, Hendrix y Sly Stone, estaban entonces practicando; sin olvidar su vertiente experimental que, en este album en concreto es muy patente en varias ocasiones, les liga con Sun Ra y, para terminar de cerrar el círculo, anticipa a Prince en su visión rock-funk más desarrollada.

"Free Your Mind...And Your Ass Will Follow" es el primer título de la cara A y con 10 minutos, muy bien empleados, da cabida al ejercicio más experimental y, a la vez, más profundamente psicodélico del disco. Su ligazón con el siguiente tema "Friady Night, August 14th" se realiza con total naturalidad gracias a líneas y riffs de guitarras de un Ed Hazel en estado de gracia.

La cara B se sigue adentrando por terrenos nada convencionales, entendámonos, en una visión mucho más expansiva del blues y soul, con a veces arriesgadas estructuras instrumentales que enriquecen el conjunto de la grabación tema a tema. "Funky Dollar Bill", "I Wanna Know If It´s Good To You?", "Some More" y "Eulogy And Light" son piezas que invitan al oyente a bailar con la mente, a adentrarse en parajes sensoriales aunados con latidos celestiales, tal es su magnetismo rítmico.

Funkadelic fueron uno de los más importantes grupos de rock de la comunidad negra americana. La escucha actual de esta su segunda grabación (después vendría la obra maestra de "Maggot Brain") supone una gratificante zambullida en una música atemporal y emocionante.

Funkadelic

REENCUENTRO

GRAHAM PARKER & THE RUMOUR  "THREE CHORDS GOOD"
A todas luces se podía pensar que la "reaparición" de Graham Parker con The Rumour después de 32 años iba a ser una auténtica fiesta. De hecho, al ver la portada del disco, los músicos (!qué músicos, carajo!, Steve Goulding, Andrew Bodnar, Bob Andrews, Martin Belmont y Brinsley Schwarz, todos miembros originales de las míticas grabaciones de 1979-1980, "Squeezing Out Sparks" y "The Up Scalator") rodeando a Graham, ya más que tadullitos ellos, entre una ténue neblina, asentados sobre una tibia pradera, el cielo azul y cubierto de nubes sin dejar escapar su color, un arcoiris arqueando el retrato de todos, daría que pensar que nos encontramos entre el paraíso revisitado.

No hay tal, señores. Graham y The Rumour, más al contrario, se han trabajado un disco totalmente alineado con los abatares actuales donde, entre otros, priman sus críticas a la avaricia de las grandes multinacionales ("Snake Oil Capital Of The World"), a la mentira institucionalizada en la política ("A Lie Gets Halfway ´Round The World"), contra la guerra en Pakistán ("Arlington´s Busy"), la hipocresía instalada en la sociedad ("Coathangers"), el progreso de internet que propicia el cierre de librerías ("Last Bookstore In Town"). Y también hay espacio suficiente para el lamento del tiempo pasado ("Long Emotional Ride"), la posible revitalización sexual de una aventura ("She Rocks Me"), y hasta caben incursiones más alineadas con una revisión de Alicia en el País de las Maravillas ("Three Chords Good")

Todo ello sazonado con el sonido y éstilo que hicieron, y siguen haciéndolo, a The Rumour junto a Graham uno de los combinados más acertados de la música británica de los últimos treinta años. Lugar y plaza para medios tiempos, raggae, baladas, piezas otras mucho más orientadas al rock espídico de su primera época con el grupo, 1978-80. Y la voz de Graham, si ya es cierto que no alcanza las elevaciones tímbricas de sus más jovenes años, si sigue transmitiendo fe y convicción a raudales.

Seguramente ni Graham ni la banda, ni yo tampoco, nos daremos de plazo otros treinta y tantos años para ver publicado otro trabajo conjunto. A ninguno de los mencionados le queda tanto tiempo.

Graham Parker

BÚSQUEDA

COLOUR HAZE.  "SHE SAID"
Gracias a "Progarchives" descubrí no hace mucho a este grupo muniqués, practicantes de ese nuevo estilo que se da en llamar como "stoner", ligado a otros substratos musicales conocidos como "kraut-psicodelia" y/o "heavy-psych". Me gustó lo que escuché en un corto clip que aparecía en su página y aquí me encuentro, comenzando la tercera audición consecutiva de su décimo trabajo, "She Said", al momento de escribir estas líneas.

Después de una primera escucha, en la que me dejé empapar de su música sin necesidad de tomar notas, simplemente ejerciendo otras actividades pero, eso sí, con el oido atento, me dije que su propuesta era más que interesante, sobre todo para mí, muy aficionado desde hace mucho tiempo a estos estilos musicales. Una segunda escucha, ya mucho más concienzuda, apoyada por la lectura de una serie de textos y comentarios sobre el grupo y su obra desde varias páginas de internet, corroboró mi primera impresión. Este disco, y este grupo, señores es MUY BUENO, así, con mayúsculas.

El disco está concienzudamente dividido en dos partes, tanto en CD como en vinilo, dando la impresión de que lo que se quiere es que el oyente asista a una auténtica sesión de introspección musical, dándose su tiempo para ir desgranado y aprehendiendo la inmensa cantidad de conceptos, ideas, sugerencias, viajes (sí, a aquellos de Moebius en su Garaje Hermético), entradas en parajes líquidos y cortezas inexploradas que van a exigir al oyente un esfuerzo de concentración total. ¿Significan sus más de 82 minutos de duración algún atisbo de cansancio para el oyente? ¡Ca!, todo lo contrario. Sale el individuo fresco cual si hubiera asistido a una benefactora sesión de sauna sensitiva.

"She Said" se estructura básicamente en dos columnas sonoras en la cara A, el tema del mismo título de más de 18 minutos y "Transformation" de casi 17, y otras dos en la cara B, "Breath" y "Stand In...", ambas sumando más de 20 minutos, además de un colofón orquestral apabullante de 11 minutos (no encuentro otra palabra que le haga justicia) que es "Grace". A estos temas, largos pero que tienen la dimensión temporal adecuada, no les sobra absolutamente ni una línea, se unen otros más "convencionales" en su minutaje: "This" (una joyita de apenas 2 minutos), "Slowdown" y "Rite".

La primera y última idea que me viene a la cabeza es la del conocido concepto del "eterno retorno", el impulso creativo de la naturaleza en sus expresiones primigenias del nacimiento, vida y muerte, el ascenso, el amanecer, el desarrollo vital, la culminación final para, una vez más, entroncar con la luz primera de la creación, y vuelta al ciclo intermitente. Esto es auténtica música PROGRESIVA, y todo lo que esta palabra conlleva se refleja fielmente en este disco sublime.

Los autores de tamaña monstruosidad: Manfred Merwald (batería), Philipp Rasthofer (bajo) y Stefan Koglek (guitarra y voces).

Colour Haze, y yo sin saberlo, han creado escuela ya desde su nacimiento en 1994. Multitud de grupos en todo el mundo han ido progresivamente consolidadndo una escena y estilo de la que los alemanes fueron pioneros. Su legado musical es ya de una importancia más que reconocida y, sin duda, este "She Said" les encumbra aún más como uno de los más importantes y creativos grupos de la escena musical contemporánea.

"She said your reality is not determined by what you see / but by what you look out for".

Colour Haze

EMBRIÓN

GILES, GILES & FRIPP.  "THE BRONDESBURY ROAD TAPES (1968)"

Corren ya los finales meses del año 1968 y los hermanos Giles (Michael, batería y Peter, bajo) junto a Robert Fripp se plantean la grabación para Decca de su primer Lp para ese sello. Grabación que no se produciría finalmente en ese momento y que vería muy posteriormente la luz, en 2002, en otro sello alternativo, Voiceprint, y además desde las cintas que utilizaran en su propio domicilio, nunca desde el propio estudio del sello londinense.  Por otro lado, el título inicial del disco "Metamorphosis", que sería editado una década antes con el mismo nombre por el sello Tenth Planet, variaría después a "The Brondesbury Road Tapes (1968)", identificación con la que ahora conocemos a esta grabación.

Hay otros músicos de gran calado que se suman al grupo y, de hecho, llegan a ser miembros permanentes del mismo durante todo su proceso creativo. Se trata de Judy Dyble e Ian McDonald, ambos entonces componentes de Fairport Convention. Mientras que Dyble y Peter Giles saldrían del grupo (la primera para formar Trader Horne, gran grupo, a propósito) después de la grabación, el resto permanecerían unidos y recrutarían a Greg Lake al bajo, en sustitución de Peter, dando lugar a la primera formación de King Crimson.

Si además incorporamos como liricista en la grabación a Peter Sinfield, nos encontramos en consecuencia con el auténtico embrión del legendario combo King Crimson.

A todos aquellos a los que les guste el pop más ácido, instrumentalmente hablando, la experimentación sonora (lejos quedaba todavía el "noise"), el Syd Barrett más inspirado conjuntado con un auténtico virtuosismo de la guitarra de Fripp, aplicadas incursiones en terrenos de estructura jazzística, flautas oníricas, la muchas veces preciosa voz ululante de Judy (una de las grandes divas del folk inglés) hallarán en este disco momentos de intensa dicha.

Entre todas las canciones , y ya que conocí mucho antes a King Crimson que a su embrión, merecería reseñar su toma original de "I Talk To The Wind", tema que después publicarían en "In The Court Of The Crimson King", y "Why Don´t You Just Drop In", ingeniosa melodía que años después sería incorporada con otro título, "The Letters", y un toque más difuso en "Islands".

Mención especial para el texto inserto en el disco, obra de un tal MDE, donde se da cumplida cuenta de todos los avatares del trío desde su llegada a Londres hasta la creación de su plataforma de lanzamiento al estrellato, ya como King Crimson. Igualmente interesantes las reseñas que se hacen sobre todo el proceso de grabación doméstico, punto que lleva a la conclusión de encontrarnos ante una auténtica obra de orfebrería.  En mi próximo viaje a Londres iré al 93a de Brondesbury Road, cerca de la estación de Kilburn High Road, para prestar cumplido homenaje a los autores de una de las más singulares formaciones que ha dado al pérfida Albión.

 

Giles, Giles & Fripp

A SU AIRE

CHUCK PROPHET.  "TEMPLE BEAUTIFUL"
Chuck Prophet, el ex de Green On Red, ha hecho un gran disco, el sexto clasificado, por poner un ejemplo, en el listado de Ruta 66 de este pasado año 2012, ya una garantía. Un pequeño y gran homenaje a la ciudad de San Francisco que será, de suguro, recordado como uno de los referentes musicales actuales de la población californiana. (Se dedica un tema al malogrado líder gay Harvey Milk)

Hay un muy conseguido ambiente pop inglés durante toda la grabación, aunque, también, con el toque característico que Chuck suele dar a sus trabajos, esto es, textos reconocibles (elíptico a veces, sin necesidad de irse por las ramas), su voz nasal tan personal y unos arreglos donde predomina suficientemente la guitarra, dandole también sabor americano.

Suenan temas como "Castro Halloween" (la mejor canción del disco con unos riffs que enamoran a la primera escucha) o "Willie Mays Is Up At Bat" y parece que estuviéramos escuchando a Big Star. La huella de Mott The Hoople se deja sentir, igualmente, en canciones como "Temple Beautiful", "I Felt Like Jesus", "Little Boy, Little Girl" (excelente el dueto aquí con la vocalista Stephanie Finch) o "White Night, Big City" (una de las más brillantes composiciones con un coro general del grupo muy logrado). Incluso, puestos ya, hasta hay retazos Beatles en cortes como "The Left Hand & The Right Hand" y "Emperor Norton In The Last Year Of His Life (1880)"

"Temple Beautiful" es un disco básicamente de guitarras y de arreglos acabados en torno a ese instrumento. El piano, por ejemplo, brilla especialmente en "Willie Mays...", "I Felt Like Jesus" y "Little Boy, "Little Girl", y crea atmósferas muy adecuadas que enriquecen instrumentalmente la grabación.

Chuck Prophet es un músico de culto. De esos especímenes que hacen de la música una gozosa comunión con sus oyentes. Intérprete fuera del circuito de las modas momentáneas. Un valor seguro para todos los aficionados a ese estilo pop y rock bien elaborado, fruto de una carrera más que digna y que debería tener más reconocimiento del que actualmente dispone.

Chuck Prophet

GILGAMESH

GILGAMESH.  Versión de Stephen Mitchell.
Comienzo el año con la lectura del poema épico más antiguo del mundo, el célebre Gilgamesh, trasunto de la epopeya del rey del mismo nombre, histórico monarca de la bien amurallada ciudad mesopotámica de Uruk hacia el año 2.750 a.d.C.

Este relato formidable, un milenio más antiguo que la Iliada o la Biblia, parte de la revisión que un sacerdote erudito, Sin-lequi-unninni, realizó unos 500 años después de que se escribiera la versión paleobabilónica, versión que los expertos consideran como estándar. Su lectura moderna se debe a la encomiable labor de un entonces, 1857,  joven conservador del Museo Británico, George Smith, año por otro lado en que las originales tablillas en escritura cuneiforme fueron oficialmente descifradas.

Gilgamesh (dos tercios de ser divino y un tercio de ser humano) es el relato del viaje de un héroe, unas veces acompañado por su par y hermano Enkidu, otras veces solo, en el viaje final que le encamina a recuperar el secreto de la eternidad.

Además de los personajes citados, en la obra aparecen múltiples protagonistas que otorgan al relato una magnificiencia digna del mejor libro de caracteres. Dioses mayores, Ea, Anu, Enlil y Aruru (Diosa Madre)  prototipos de los creadores del universo y de los hombres, otros menores aunque no menos importantes, Ishtar (reina del mundo inferior), Ninsun (madre de Gilgamesh), Shamash, Shiduri, Sin, Utnapishtim (celador del secreto último de la eternidad), se entremezclan con seres monstruosos, Humbaba (guardián del Bosque de los Cedros), Los Hombres de Piedra, el Toro Celeste; sacerdotisas, Shamhat, cuya labor consiste en civilizar a Endiku, escribas, Belet-Seri (que sostiene la tablilla en la que se registra la viad y la muerte), el aguacil Ennugi, Namtar, guardián de la puerta del inframundo y otros tantos.




Todo el relato se conforma como un maravilloso mundo de aventuras. El conocimiento de Gilgamesh y Endiku, previo al proceso de adaptación del último por la sacerdotisa Shamhat, las luchas contra Humbaba y el Toro Celeste, la maldición sobre Endiku y su muerte, la desolación (punto álgido de la narración) de Gilgamesh y su postrer viaje hacia las Aguas de la Muerte, el relato del Diluvio, la aparición final de la serpiente. Un impresionante ejercicio de imaginación al servicio de la gesta épica más emocionante.

Recomendar vivamente su lectura a los que no conozcan esta obra maestra de la literatura. A los que ya tengan noticia de la misma, felicitarles porque seguramente serán más ricos.

Aquel que todo lo ha visto, que ha experimentado todas las emociones, del júbilo a la desesperación, ha recibido la merced de ver dentro del gran misterio, de los lugares secretos, de los días primeros del Diluvio...

 

 

Gilgamesh

CARRETES

 

 

 

 

 

THE MONOCHROME SET  "THE PLATINUM COILS"

Vuelvo a The Monochrome Set después de haber reescuchado sus dos trabajos durante el verano pasado, "Volume, Contrast, Brilliance" (recopilación de sesiones y singles de 1983) y "The Lost Weekend" (1985), esta vez en su nuevo trabajo "The Platinum Coils" de 2012. Y es un retorno gozoso reencontrarse con el gran Bid, alma mater de la banda, después de reunificarla en 2010, esta vez con dos de los miembros originales, Lester Square (guitarra y harmónica) y Andy Warren (bajo).

The Monochrome Set es una banda para elegidos. No busquen aquí los advenedizos , "post-indies", "post-modernistas", "post-electrónicos", "post-eclécticos" del pop insustancial algo con lo que fardar ante sus tribus. Este grupo no es válido para cualquiera. Su visión musical, acorde con una cierta decadencia estética, será más del gusto de aquellos aficionados que sientan placer por aquellas melodías con alma y espíritu extravagante, propicias al ensimismamiento que proporciona la sencillez, el tono sosegado del reloj de cadena y las levitas de los poetas incomprendidos.

Bid, una vez superado el derrame cerebral que sufrió en 2010, dió carpetazo a su proyecto de entonces, Scarlet´s Well, y toma contacto con dos de los miembros originales de la banda, ya mencionados anteriormente. En Abril de 2012 sale a la luz esta grabación, "The Platinum Coils", que pone de nuevo a la banda en el candelero. Y no han podido hacerlo de mejor manera, siendo este trabajo una fidedigna continuación del estilo y lectura a la que nos tenían acostumbrados.

Grandes temas se suceden a lo largo del disco; desde "Hip Kitten Spinning Chrome" hasta "Brush With Death", flota una atmósfera de nieblas soleadas, de narraciones que acunan a infantes recién amamantados, aun con el sabor a miel del pezón materno. Textos donde la lírica es reflejo de una literatura leída en jardines, recordada en estaciones de trenes vacías, al rebufo de hojas removidas por un viento cuidadoso, dispuesto a dejar oir su eco solamente a los participantes de cierta magia ancestral.

¡Bienvenidos de nuevo!, ángeles del despilfarro onírico. Tornen sus oídos al tono crustáceo de los rollos plateados, aquellos carretes de Kodakchrome que vistieron el sepia del paso del tiempo.

 

The Monochrome Set

LAVA AUSTRALIANA

RADIO BIRDMAN  "RADIOS APPEAR"
Pues si, Radio Birdman faltaba en mi colección. Grandes grupos australianos forman parte de ella, Birthday Party, Nick Cave & The Seeds, Hoodoo Gurus, Lime Spiders, The Beast of Bourbon, The Breadmakers (¿alguien se acuerda de ellos?), Ed Kuepper (miembro fundador de The Saints). Y faltaban los Birdman..., imperdonable por mi parte que hasta finales de 2012 no hubiera adquirido un ejemplar de esta banda fundamental.

"Radio Appear" es un disco absolutamente necesario en cualquier colección que se precie. Los padres, junto a The Saints, del punk australiano. Un punk que no es tan desquiciado como el de algunos coetáneos ingleses o americanos, más bien bebe también de un power-pop salvaje, sí, pero estilisticamente más accesible.

Este primer trabajo de la banda australiana, engendro parido por la unión de dos fuerzas motrices demoledoras como Denik Tek (yanki expatriado) y Rob Younger, guitarra y voces respectivamente, es un ejemplo formidable de lo que el punk y el power-pop aportan al oyente aficionado. Fuerza, garra, lava incandescente a máxima presión, riffs de guitarras estratosféricas, voces convincentes, base rítmica sin descanso. Y, además, este grupo, al contrario de muchas de las bandas punk que empezaron en esos finales años 70 (este trabajo es de 1978), sí sabe tocar sus instrumentos, sí sabe componer grandes canciones, si suena plenamente punk desde el principio. ¡Toda una lección!

Zambullirse en las canciones del disco es un auténtico placer. Grandísimos temas todos, uno detrás de otro. Muy especialmente gemas del calibre como "Man With Golden Helmet", "Descent Into The Maelstrom", "Murder City Nights", son auténticos himnos que no han sufrido, en absoluto el paso del tiempo, todo lo contrario, siguen frescos y pujantes como la primera vez. Otros, como "What Gives", "Non-Stop Girls", "Do The Pop", "New Race" o la versión que hacen del clásico "You´re Gonna Miss Me" de los 13th Floor Elevators, todos ellos con apenas algo más de 2 minutos, conforman la estructura y formato temporal perfecto de lo que debe ser un tema punk y power-pop, rapidez, contundencia, sin tregua ni contemplación alguna para despistados o pusilánimes. Y además, para mayor goze de sus seguidores, intervienen luminarias del nivel del ex-Stooges Ron Asheton y MC5 Sonic´s Rendezvous Band..., ¡no se puede pedir más!

Si no tiene usted este ejemplar auténticamente genético, hágame caso y adquiéralo de inmediato. Nunca se arrepentirá.

Radio Birdman

SIMIENTE

ROYAL TRUX "CATS AND DOGS"
1993. En esas remotas fechas, ya teniendo entonces referencias y algo en propiedad de Pussy Galore, andaba yo muy metido en el sello "Epitaph", entonces baluarte del conocido como punk-melódico. Las bandas que me ponían eran Dawn By Law, sobre todo, Bad Religion, The Offspring, NOFX, SNFU o Claw hammer. No hubiera sido en absoluto extraño que, conociendo entonces a Royal Trux, si ese fuera el caso (que no lo era), hubiera congeniado al instante con ellos, si fuera también el caso de haber adquirido entonces este "Cats And Dogs". Y esto a pesar de que, seguramente, me hubieran parecido algo difíciles, pero bien, ya tendría la vacuna de Pussy Galore en vena.

En 1998 adquirí el "Accelerator" de la banda, disco ya comentado hace unas fechas, y me pareció magnífico. Hace poco lo estuve escuchando y, seguramente influido por él, me hago ahora, muy a finales de 2012, con "Cats And Dogs".

Después de esta breve introducción decir que, si la banda de Chicago me gustaba, escuchando ahora su trabajo de 1993 me parece que es una apuesta segura para todos aquellos a los que les vaya ese sonido distorsionado, muy basado en capas de guitarras que crean un muro sónico potente, y muchas veces de estructura irregular, donde las voces aportan aristas que, no solo se soportan, sino que son necesarias para mantener esa tensión de bilis roquera y blues extendido hasta límites sonoros poco usuales. Y no dejar en el olvido, sería desvalorar una aportación significativa, la labor de los músicos que colaboran en "Cats And Dogs", Mike Kaiser, guitarra, Ian Willers, batería y Brian Smith a la percusión, ayudando en ese magma de ecos a los que muchas veces les lleva la guitarra de Neil Hagerty, especialmente brillante en toda la grabación.

Destacar, entre los temas de la cara A, especialmente "Teeth", comienzo del disco, con una fabulosa guitarra de Neil, y un no menor aporte rítmico de Willers a la batería, "The Flag", esa guitarra estirándose como un sonido de sirenas ardientes, "Friends", atmósfera justamente desquiciada que Thurston Moore hubiera encajado en cualquiera de sus temas de "Experimental Jet Set Trash And Star" (1994, por cierto), "Skywood Greenback Mantra", hermoso título para una guitarra hija del más enloquecido Mick Taylor, "Turn Of The Century", blues rayando los confines de cielos siempre plomizos. Y en la B, "Up The Sleeve", seguro que Moore y compañía memorizaron ese sugerente ambiente conseguido, propicio para hadas narcotizadas en alcanfor, "Let´s Get Lost", homenaje al inmortal Chet Baker y, sobre todos "Driving In That Car (with the eagle on the hood)", sin duda el mejor corte del disco, digno de la más fílmica perversión de David Lynch, espiral sonora donde convergen amenazantes guitarras y una percusión obsesiva, todo ello adornado con una Jennifer Herrema en su máxima expresión sibilina.

No hay vuelta atrás; una vez Royal Trux entren en tu morada no serás capaz de ahuyentarles.

Royal Trux

ESPEJISMO

BAND OF HORSES. "MIRAGE ROCK"
Me encantan las portadas de Band Of Horses y creo que expresan mucho del sentimiento musical de la banda. "Mirage Rock" no es indiferente a esa sensación. Raíces, rocas, troncos, cascadas, niebla dorada entre los árboles.

Gran parte del salto cualitativo que Band Of Horses consiguen con este su cuarto trabajo, sería injusto decirlo, pertenece al productor de la obra, el legendario Glyn Johns, productor de bandas míticas como Rolling Stones, Who, Eagles...Independientemente de la aptitud compositiva del tanden Bridwell y Reynolds, autores de 9 de los 11 cortes del disco, Tyler Ramsey , compositor de uno, "Everything´s Gonna Be Undone" (por cierto, una de las mejores canciones del disco), y Bridwell, Reynolds y Ramsey del que lo cierra, "Heartbreak On The 101", el conjunto de la obra tiene una coherencia musical y estilística que hace de "Mirage Rock" un album lo suficientemente meritorio para seguir confiando de pleno en la banda.

Hay sonidos que son ecos del Neil Young de Harvest en "Slow Cruel Hands Of Time", Teenage Funclub en "A Little Biblical", Fleet Foxes en "Shut-in Tourist", America en "Dumpster World", Graham Nash al unísono con Yo La Tengo en "Feud", The Byrds sonarían ahora como en "Long Vows", "How To Live", mezcla de Eagles y Doobie Bros...Riffs de guitarras, que suenan como una natural evolución de aquellos de Creedence que nos asombraban en la primeros años 70, "Electric Music"; otros temas como "Knock Knock", inicio del disco, con una tensión instrumental y lírica que engancha desde la primera escucha, "Heartbreak On The 101", a mencionar de nuevo al aportar un excelente arreglo de cuerdas de The Section Quartet.

Y toda esa amalgama de sonidos sirve como contrapunto a unos textos muy introspectivos, un mirar al espejo de una sociedad y un tiempo muchas veces crueles. Frases, palabras, lamentos, envejecimiento, rupturas, recuerdos, mentiras..., y cómo explicar, cómo explicarse todo ello... El aporte vocal y coral de los miembros de la banda es muchas veces feliz, idóneo para llegar a esos límites expresivos que solo los instrumentos, siempre muy bien compensados (otra gran labor de Glyn Johns), no pueden alcanzar. Y cuando la voz juega sola su papel ("Heartbreak On The 101"), hay dos tonalidades, áspera una al inicio, ilusionante al final.

El album contiene su "sleeve" correspondiente que solo en formato de vinilo puede ser realmente apreciado. Una impactante fotografía mostrando las enormes raíces de un árbol, alineadas en una secuencia parecida a un laberinto de madera. También cuenta con un poster desplegable en el que se ve un magnífico tronco acunado por piedras milenarias. Imágenes, y retorno al primer comentario, que comulgan fielmente con la sensación de estar muy tierra adentro.

Recomendado el escuchar el disco muchas veces desde el inicio (yo llevo ya cuatro de una tacada). El primer enfrentamiento es fácil que deje al oyente frio. A las siguientes, se quiere más. Las raíces absorben los fluidos del oyente sin misericordia.

Band Of Horses

TONO DORADO

León, Mayo de 2009. Siguiendo con las reflexiones sobre el contraste entre los reflejos y la realidad externa, comentado en los textos de varias de las fotografías anteriores, aquí se muestra un diáfano ejemplo.

Algo más de la mitad de la foto refleja una calle de la ciudad (con un tono dorado). El contenido de dicha sección, tanto en la acción como en la dirección de los protagonistas (peatones y vehículos), es justamente opuesto a lo que ocurre en la realidad, la otra parte de la toma, la que solamente ocupa una parte de la fotografía (sección izquierda). Los protagonistas se mueven realmente en la dirección contraria a la que aparece en el espejo.

El fotógrafo aparece retratado, ...¿o le retratan a él?...

EL JARDÍN ABANDONADO

 

 

 

Cuanto mayor encanto hay en un jardín abandonado,

Como una muela en ruinas cuyas aristas se sumergen en la oscuridad.

Oí a un comerciante inglés contar sus esfuerzos

Por tener en Grecia un césped cuidado,

espejo de los parterres de Windsor,

Alfombra que sosiega perennemente la vista vencida.

Mejor le hubiera sido contemplar el hermoso

deterioro de la hierba,

Allí donde Piranesi pudo dibujar sus torrenciales piedras,

Ya destruidas por el vuelo de los turcos.

No salgáis al sol  líquenes torturados,

Ramas podridas de bella madera mojada,

Dejad que la curva de la vida alcance de nuevo

A La larva somnolienta.

 

Majadahonda, 2/01/2013

MAGMA HELADO

RETRIBUTION GOSPEL CHOIR 2
Descubrí muy recientemente a Retribution Gospel Choir gracias a la plataforma musical "Daytrotter", auténtica fuente de conocimiento de nuevas bandas e intérpretes norteamericanos. Supe, entonces, que estaba liderada por Alan Sparhawk, componente del grupo Low, uno de mis grupos preferidos, aunque reconozco no seguirlos con cierta continuidad.

En este su segundo trabajo de 2010, sucíntamente titulado empleando el símbolo numérico arábigo, me veo gratamente sumergido en un torrente de sensaciones ampliamente benefactoras. Hacia ellas me dirigen la fantástica portada del disco, muy en la onda de los paisajes del pintor romántico alemán Caspar David Friedrich. Un desierto de bloques helados, apilados por una fuerza misteriosa, que conforman una imagen altamente sugerente; un frio sensorial que se torna paulatinamente en espirales calurosas.

Frente a la cara A, más intensa en coloraciones mayúsculas, expresiones altivas dirigidas hacia un entorno aéreo y elocuente, la cara B, supone un contrapunto más terrenal, introspectivo, encaminado a una palpitación más dirigida hacia el magma y la lava. De la primera fase, muestras patentes son sus temas "Hide It Away", "Your Bird" o "Poor Man´s Daughter" (impresionante la Gibson de Alan en este corte); de la segunda, "White Wolf" (un título bien expresivo del espíritu que recorre sus surcos...), "The Last Of The Blue Dream" (sí, los discos tienen a veces colores, y es éste azul), "Electric Guitar" y "Bless Us All", síncope coral que se resuelve en imágenes victorianas.

Retribution Gospel Choir es un grupo a seguir. Acercan destinos lejanos a la mente del oyente. Amplían su ansía, muchas veces insatisfecha, de caminar por las plateadas líneas del abismo, aquel que Friedrich tan lúcidamente nos mostró.

Retribution Gospel Choir

TIERRA VASCA

PÍO BAROJA. TRILOGÍA TIERRA VASCA.
Termino el año 2012 con la lectura de Tierra Vasca, primera de las trilogías de Pío Baroja, compuesta por los títulos "La Casa de Aizgorri", "El Mayorazgo de Labraz", "Zalacaín el Aventurero" y "La Leyenda de Jaun de Alzate". Las tres primeras publicadas entre 1900 y 1909, la última ya mucho más tarde, en 1922.

"La Casa de Aizgorri", con una estructura básicamente teatral, conforma un drama donde se enfrentan escénicamente personajes arraigados en el ambiente tradicional rural con otros que representan a la, entonces incipiente, masa obrera. "El Mayorazgo de Labraz", representación lírica  de una antigua villa medieval , habitantes y ambientes anclados en el estancamiento secular del siglo XIX, venidos todos a menos al amparo de una cíclica versión de la narración retorno-huida, desde los valores conservadores hasta la  resolución final en la idea del desarraigo y el trueque de personajes nuevos con otros desaparecidos.

"Zalacaín el Aventurero", en muchos aspectos trasunto del posterior Eugenio de Aviraneta de "Memorias de un Hombre de Acción", símil del protagonista que, contra el ambiente retrógado que le circunda, lucha con su accionar constante, vida al límite enmarcada en las postrimerías de la última Guerra Carlista. "La Leyenda de Jaun de Alzate", enfrentamiento soterrado entre concepciones de vida ligadas ancestralmente a la naturaleza circundante y aquellas, posteriores, representadas por la irrupción del cristianismo en el ámbito familiar y social., todo ello enmarcado en una estructura narrativa casi pastoril y, muchas veces, coral.

Leer a Pío Baroja supone un ejercicio de inmersión en su ideología. La creencia del hombre como ser implícitamente arraigado en su destino libre; su lucha contra un entorno fuertemente convencional, impuesto la más de las veces por un devenir temporal contrario a sus ansias de independencia; su derrota final y conversión en espejo mártir; ejemplo de un pesimismo que trasciende y convierte al lector en cómplice último de sus convicciones.